デザイナー樋口賢太郎が
綴る日々のことです
魯山人のおいしい器
週末は世田谷美術館で開催されている魯山人展に出掛けた。
魯山人のまとまった量の作品を見るのは今回が初めて。
以前来たのは北園克衛の時だっただろうか。
この美術館は、建物は好きではないがキュレーションが優れている印象がある。
見れなかったが、過去にも魯山人展をやっていて、
その時は魯山人が目指した器の「本歌」と「写し」を大胆にも並べていた。青山二郎展も良かった。
世田谷区民としてはこういう税の使われ方は大いに嬉しい。
作品数は150点くらいあり、有名な作品も混ざっているので魯山人の魅力をじゅうぶん堪能できる。
いまはなき伝説の名店「百味存」の横山さんが、実際に器に盛りつけた写真も展示されていて、
そういうところにもキュレーションの確かさを感じる。
魯山人の器は、まず器自体がおいしそうだ。見てるだけなのに触覚的に訴えてくる力が強い。
釉薬と素地とのバランス、有機的な質感、稚拙な絵付も食欲をそそる。
器としては達者な絵よりも、やや下手で隙がある絵の方が唾液の分泌を促すと思う。
これなら盛られた料理はさぞやおいしく見えるだろう。
むろん色感もいい。色彩と味覚のところでも書いたが、料理が上手な人は色使いも上手だ。
おそらくこんなにも料理をおいしそうに見せる器をつくれる人は、
古今東西、魯山人をおいて他にはいないだろう。
そういった意味合いにおいては、人間国宝級の陶芸家でも太刀打ちできないと思う。
魯山人の器の多くは、星ヶ丘茶寮で実際に使うためにつくられた。
星ヶ丘茶寮というのは、美食家だった魯山人が自分の料理をふるまった料亭のことで
わかりやすい例で言えば『美味しんぼ』における美食倶楽部である。
海原雄山も魯山人をイメージしている。
書家、篆刻家、画家、美食家、料理人など様々な顔を持つ設定もそのまま海原雄山だ。
当初は既存の器に料理を盛りつけて供していたが、
だんだんと飽き足らなくなり、自分で作陶を始める。
中国の青磁、染め付け、織部、黄瀬戸、志野、丹波、信楽など
とにかくたくさんの種類の器を焼いた。
食だけでなく、陶芸への執着も相当なものだったらしく、
骨董を一万点あまりも蒐集して、その写しをつくった。
時には古窯を発掘し、陶磁器の破片などから制作のヒントを得た。
もちろん陶芸家もおいしそうに見えることを考えて作陶するだろうが、
美食家がつくるとなるとやはりレベルが違ってくる。
魯山人は自ら調理場にも立っていたので、素材選びや調理法などにも精通している。
料理のことをすみずみまで知っていたからこそ、その魅力を最大限に引き出すことができた。
一見物足りないような器も、盛り付けて完成と考えると、料理人としての視点が見えてくる。
しかし当時はいろいろと批判もあった。
センスはいいが技術力がともなっていないという指摘が一番多かっただろうか。
ひとつの分野でも極めるのが難しい世界なので、
多種多様な器を焼いていたら当然そういった指摘が出てくる。
完成度と言う意味では、確かに批判は的を得ていて、それは魯山人の絵画などにも通じると思う。
絵にも天賦の才があることがわかるが、極めるところまでは行っていないからだ。
おそらく料理をメインと考えていたので、そんなことはどうでも良かったのだろう。
あくまで料理が主役でそれ以外は脇役。いや魯山人の場合は準主役か。
最終的に彼の多岐に渡る活動は料理に集約し、星ヶ丘茶寮を主催した。
おいしく食べるための器であり、おいしく食べるための絵画であり、
おいしく食べるための書だったのだ。
器や絵画は総合的な完成度という意味では詰めの甘さが残るが、
プロの作品と比べて必ずしも劣るわけではない。
ちょうど安西水丸氏のように、肩の力を抜いて制作していることで醸し出るおおらかさは、
玄人にもちょっと真似するのは難しいと思う。
冒頭にも書いたがあまりにも上手過ぎる絵は緊張感を生み、
客はリラックスして食事ができない。もっと言えば唾液の分泌を促さない。
学校に行かなかったり、専門的に習わなかった魯山人は、
偉大なアマチュアだと評されることが多いが果たしてそうであろうか。
どういう環境なら客が楽しんで食事ができるのか、魯山人ほど考えた人はいないと思う。
そのことはミシュランで星をとっている料理人でも器を焼かない、
絵を描かないということからも推して知るべしである。
※この記事は2014年10月に投稿した記事の再掲載です。
過去のデータベースにアクセスできなくなったので一部加筆修正して掲載しています。
※和火やってます。
※作家活動やってます。
炎上することについて
ウェブやSNSなどで、ときにコメントが一極集中して投稿される様子を炎上と呼んでいる。
一般的にはネガティブな言葉として使われることが多いだろう
もちろん批判が大半の炎上もあるが、賛否が50/50くらいの場合は、実は有意義な問題提起がされている可能性が高い。
どちらかが優位でなく、肯定的意見と否定的意見が同じ程度入り混じる状態は、
本質をついた重要な議論が行われていることの証ではないかと考えるからだ。
のちに歴史的な意味を持つ芸術作品が現れるときも同じような現象が起こる。
たとえば1863年に画家のエドゥアール・マネが『草上の昼食』で女性のヌードを描いたが、
キリスト教的価値観では女性のヌードはタブー視されていた背景があったため、賛否が巻き起こった。
もちろん西洋絵画でマネ以前にもヌードは描かれていたが、
神話などに登場する神々などの実在しないモデルのみというエクスキューズ付きで、
リアルな対象として描いたのはマネが初めてだった。
女性のヌードというテーマはある程度答えが出ているので、
いまとなっては問題視されないだろうが、当時は炎上に近い案件だったようだ。
エポックメイキングな作品は、往々にしてひとびとの概念の外にあり、
ある種タブー視されているモノゴトも含んでいるので、諸手を挙げて賛成とはならず、
どうしても反発する勢力が出てきてしまう。
そういった問題提起で大事なのは、
好きでも嫌いでもないけど、まあいいんじゃないかななどという生ぬるい反応ではなく、
「素晴らしい作品だ」「こんなものは芸術ではない」と世間を二分するくらいのコンフリクトを生むこと。
そもそも話題にならないのは重要なイシューではない。
ピカソのキュビズムやウォーホルのシルクスクリーンの作品なども、同じように芸術論争を呼んだし、
現代ではダミアン・ハーストやアイ・ウェイウェイ、
日本だと会田誠らは二極化しがちなテーマを積極的に扱ってるように見える。
表現の不自由展もだいぶ物議を醸したが、補助金の受給や芸術と政治の関係など、いろいろと考えるいい機会になった。
単純に美しく心地いいものだけが芸術だと考えていたひとにとっても、
法定の場で真逆の結論が出たことによって、それまでの芸術への理解が変わったのではないかと想像する。
そういった意味ではおおきな問題提起だったと思うし、
おそらく100年後くらいには、なんであんなことで騒いでいたのだろうと意識が変わっているのではないだろうか。
ほとんどの大事なものごとは炎上から始まるのかもしれない。
※映画や本をアマゾンなどで探すときにも、上記のように評が割れているものを目安にしています。
※和火やってます。
※作家活動やってます。
プロでもなく、スペシャリストでもなく
自分は職業としてグラフィックデザイナーを選んでおり、当然のことながらその世界では専門性がものを言う。
医者や弁護士などのような資格はないが、そのひとにしかできない仕事が最も価値を生むと考えるからだ。
技術的な面はもちろんのこと、総合的な表現として、あぁこのひとにしかできないなあという専門性は高いほうがいい。
書体への幅広い知識や卓越した造形力、色彩への敏感な感覚や時代の空気を的確に読むセンスなど、
あげていけばキリがないが、ふつうのひとにはできないであろう力を深めることが重要だと思われる。
そういった意味でデザイナーは、ジェネラリスト（総合職）でなく、スペシャリスト（専門職）と言えるだろう。
長年仕事を続けることで、駆け出しのころよりはデザインが上手になり、前はできなかったことができるようになる。
積み重ねることができるという意味で恵まれた職業なのかもしれない。
ただ最近、デザイナーはスペシャリストになってしまってはいけないのではないかと思っている。
もちろんある種の専門性に特化したスキルやノウハウは要るが、
狭い領域で力を発揮することが多いスペシャリストの特性は、デザイナーの素質とは相反するのではと考えるからだ。
デザインが消費されるマーケットはだいたい一般的な世間であり、特殊な狭い領域ではない。
ごくふつうの日本人（という表現はあまり好きではないがとりあえず）が
ごくふつうに求めるものをデザイナーは提供しないといけないので、専門性を掘り下げ過ぎると、
周りが見えなくなり、世間とズレていってしまう可能性が出てくる。
いわばオタク的に領域を深めていくのがスペシャリストだとすると
デザイナーには広くあまねく世間を見るジェネラリスト的な性質が必要不可欠になるだろう。
（話は逸れるが、年齢が上がるにつれて、世間の中庸なライフスタイルから離れていくことにもデザイナーは留意したほうがいい。
いまの世の中、スマホやアプリがあることが前提のコミュニケーションになっているので、
もしスマホを日常的に使わないデザイナーがいたとしたら、仕事をしていくのはけっこう厳しいだろう。
歳をとると腰が重くなり、変化の受け入れに億劫になりがちだが、時代についていけなくなったときがデザイナーとしての潮時だと思う。
逆に言うと、絶えず変化を受け入れて、ライフスタイルがズレなければ長く現役でいられる可能性が高い。
いっぽう研究職や芸術活動は世間とのズレのダイナミズムが価値を決めると考えている。
掘り下げ過ぎて、周りが見えなくなり、どこか浮世離れしてるひとほど、興味深い活動をしていることが多いと感じる）
閑話休題。
いまでも、大学時代の恩師である佐藤晃一先生が、先生の退職祝いの会のときに仰っていた言葉をよく思い出す。
「自分はたくさん仕事をしてきましたが、ずっといち素人としてグラフィックデザインに関わってきました」
おおまかにはこのような意味合いだったが、世界的なグラフィックデザイナーの言葉としてはとても意外だった。
それまでデザイナーとはプロフェッショナルを極めた職業だと思っていたのだ。
言わんとするところはおそらく、長くデザインに関わってきたが、プロの固定概念に囚われることなく、
常に新鮮な気持ちで仕事に向き合ってきた、ということだろう。
スペシャリストはおろかプロフェッショルであることからさえも自由だったのだ。
生涯ずっと一流どころで活躍されてきたにも関わらず、
遊ぶように仕事をし、はじめて接する子どものようにものごとに驚きながら、飄々とデザインをされたのだと想像する。
余裕があるというか、さすが偉大な才能のなせるわざで、中々おいそれとは真似できない。
自分はまだまだ未熟なので、いまの時点でプロフェッショナルであることを捨てるのは難しいが
スペシャリストにはならないように十分に気を付けようと思う。
以上今年の抱負でした。
※和火やってます。
※作家活動やってます。
